Siempre es difícil trazar divisiones claras en la evolución de la música, pero hay unas diferencias que saltan a la vista a partir los años 60.
Si miramos al pasado nos encontramos con que la figura central fue la del célebre compositor que, apenas publicaba una canción, venia versionada por otros artistas. Era muy fácil, por ejemplo, encontrar la misma canción echa por tres o cuatro cantantes diferentes en la lista de ventas de discos.
Los roles del compositor, el arreglista y el director de orquesta fueron preponderantes.
A partir de la obra de ellos se iniciaba un proceso de reinterpretación, sin aportar grandes elementos de novedad. Era mayoy la importancia de la parte melódica sobre la cantada.
En el segundo posguerra, sin embargo, asistimos a dos revoluciones:
- el cantante se vuelve más importante que la orquesta. Quizás el primero y sin duda el más famoso sea Frank Sinatra, quien en su larga carrera ha estado acompañado de varios músicos, compositores y directores. Su nombre brilla como un ícono absoluto; para todos, él es La Voz.
Pero cuando comenzó su carrera en solitario, en la década de 1940, las cosas eran muy diferentes. Para salir de la orquesta más famosa de Estados Unidos, la de Tommy Dorsey, Sinatra tuvo que liberarse de un contrato que lo obligaba a pagar el 43% de todas sus ganancias en el mundo del entretenimiento de por vida. Solo después de ganar una larga batalla legal, Sinatra comenzó la carrera del cantante solista más emblemático de los tiempos modernos. Desafortunadamente, la relación entre Dorsey y Sinatra, que alguna vez fue muy cercana, nunca volvió a ser lo que era. Y las leyendas urbanas sobre cómo Sinatra se deshizo de ese contrato nunca se han ido. - Las bandas de compositores / músicos comienzan a tocar únicamente su propio repertorio.
Un caso llamativo son los Beatles, la primera banda de éxito a escala mundial que se centró únicamente en sus propias canciones. Ya desde las primeras grabaciones, estaba claro que preferían grabar canciones escritas por ellos antes que por otros, pero hay que esperar hasta 1964, con el disco «A Hard Day’s Night», para encontrar solo piezas originales compuestas por John Lennon y Paul McCartney. Bajo la cuidadosa supervisión de George Martin, en los años siguientes los Fab Four se dedicaron cada vez más a la experimentación, utilizando instrumentos inusuales (como el sitar indio) o innovaciones técnicas en grabaciones de estudio. Si bien se inspira en otras bandas ya establecidas para el sonido del Rock And Roll de los primeros años, el suyo es un camino hacia un estilo original y personal, más que la reinterpretación de la música ya existente.
Los Carosones rinden un umenaje a a los compositores de la segunda posguerra
En nuestro espectáculo se esconde un homenaje a los letristas y compositores de la Dolce Vita: además de Nisa por supuesto (autor de algunos de los textos más famosos de Renato Carosone) hay un homenaje especial a Gian Carlo Testoni, uno de los más importantes letristas de ese período en Italia.
“In Cerca di te” (cuyo texto escribió) es considerada la primera pieza italiana de swing de la posguerra; suyas también las palabras de “Mambo Italiano” e “Io sono il vento”. Esta última canción, que tocamos con un arreglo de Marino Marini, es de Giuseppe Fanciulli, autor de la música de «Guaglione«, uno de los mayores exitos de Carosone.
De este denso entretejido de música y palabras se desprende que, en realidad, no es posible aislar a un artista de sus contemporáneos, en los años 60 y en cualquier otra época; deben ser estudiados y escuchados en su conjunto. Hay muchas influencias mutuas y una herencia musical compartida, a la que el compositor / músico y su interpretación pueden dar un color único.